Antonio Canova ist ein italienischer Bildhauer und Maler. Er war der bedeutendste Vertreter des Klassizismus in der europäischen Kultur. Akademiker des 19. Jahrhunderts, darunter Thorvalsen, betrachteten ihn als Vorbild. Die größten Sammlungen von Canovas Werken werden im Louvre und in der Eremitage aufbewahrt.
Ein herausragender Vertreter des neuen Klassizismus verherrlichte das Schönheitsideal. Mit seinen Werken hat er die Kunst revolutioniert. Der Meister begann in der barocken Manier von Lorenzo Bernia zu kreieren, fand dann aber seinen eigenen Weg.
Der Beginn der Kreativität
Die Biographie des berühmten Meisters begann 1757. Er wurde am 1. November in der italienischen Stadt Possagno in der Familie des Steinmetzes Pietro Canova und seiner Frau Angela Zardo Fantolini geboren. Der Vater starb 1761. Das Kind wurde von seinem Großvater erzogen.
Pazino Canova, Inhaber von Maurerwerkstätten, zeichnete sich durch einen sehr schwierigen Charakter aus. Der Junge lernte, mit Stein zu arbeiten. Der Großvater bemerkte das Talent seines Enkels und stellte Antonio Giovanni Faliero vor. 1768 begann der junge Meister unter der Schirmherrschaft eines einflussreichen Senators mit seinen ersten Werken.
Um seinen Enkel zu unterrichten, verkaufte der Großvater den Hof. Mit den erhaltenen Mitteln konnte Antonio die Kunst der Antike studieren. Im Oktober 1773 begann der junge Mann im Auftrag seines Mäzens mit der Skulptur Orpheus und Eurydike. Zwei Jahre später beendete er die Bildhauerei Canova. Der Erfolg der Arbeit war ohrenbetäubend.
Die altgriechische Kunst wurde für den jungen Bildhauer zur Inspirationsquelle. Die anerkannten Meisterwerke seiner Moderne wurden nicht in die Anzahl der Vorbilder aufgenommen. Antonio eröffnete seine Werkstatt in Venedig. 1779 entstand darin eine neue Komposition, "Daedalus und Ikarus". Nachdem es auf dem Markusplatz ausgestellt wurde, wurde es wieder allgemein anerkannt.
Wundervolle Arbeit
Eines der ersten erfolgreichen Werke von Canova zeigt zwei Figuren. Ikarus ist makellos schön und jung. Der Körper des alten Daedalus ist unvollkommen.
Daedalus und Ikarus
Am Beispiel der Gegenüberstellung von Jugend und Alter wird der Eindruck der Komposition stark verstärkt.
Der Bildhauer fand und verwendete eine neue, beliebte Technik. Die Symmetrieachse verläuft in der Mitte, die Figur des Ikarus ist jedoch nach hinten geneigt. Zusammen bilden beide Helden eine X-förmige Linie, die für die nötige Balance sorgt. Auch das Spiel von Schatten und Licht war dem Meister wichtig.
1799 zog der 22-jährige Meister nach Rom. Er begann, die Schöpfungen der Meister Griechenlands zu studieren. Nachdem Canova alle Hauptfiguren der Mythologie erkannt hatte, begann er, über seine eigenen künstlerischen Traditionen nachzudenken. Der junge Meister stützte sie auf den Adel der Einfachheit. Dies beeinflusste seine Arbeit merklich.
Amor und Psyche
Die Skulpturen von Antonio wurden den legendären Bildhauern der Antike gleichgestellt. Der Meister arbeitete daran, den klassischen Stil zu verbessern. Der Bildhauer fügt sich perfekt in die kulturelle Atmosphäre der ewigen Stadt ein. Seine Arbeit hat ihm Anerkennung und weltweiten Erfolg eingebracht.
Die 1800-1803 entstandene Komposition "Amor und Psyche" wird durch zwei Figuren dargestellt. Der Gott der Liebe blickt einer schönen Geliebten mit Zärtlichkeit ins Gesicht. Psyche reagiert auf ihn mit dem gleichen Gefühl. Der Schnittpunkt beider Formen bildet eine geschwungene und weiche X-förmige Linie.
Das Publikum bekommt den Eindruck, dass die Figuren in der Luft schweben. Psyche mit Amor weichen schräg ab. Das Gleichgewicht wird durch die ausgestreckten Flügel der Bewohner des Olymp erreicht. Das Zentrum der Komposition ist Psyche, die den Gott der Liebe umarmt. Die Formen sind elegant fließend. So drückt der Meister die Idee der Idealität der Schönheit aus. Das Original der Statue wird im Louvre aufbewahrt.
Die ersten Werke des Bildhauers wiederholten die Werke berühmter Bildhauer. Als er jedoch die Werke griechischer Meister studierte, beschloss Canova, die Bedeutung von Leidenschaft und Gestik in seinen Kompositionen nicht zu übertreiben. Er kam zu dem Schluss, dass er nur durch strenges Kalkül und Kontrolle Sinnlichkeit mit Idealität vermitteln konnte.
Die Werke des Meisters hatten nichts mit der Kunst seiner Zeitgenossen zu tun. Schritt für Schritt schuf Canova einzigartige Werke, von Wachs und Ton bis hin zu Gips. Erst danach begann die Arbeit mit Marmor. Der Bildhauer arbeitete 14 Stunden lang unermüdlich und verließ die Werkstatt keine Minute lang. Über sein Privatleben liegen keine Angaben vor.
Drei Grazien
Zwischen 1813 und 1816 entstand die Skulptur "Die drei Grazien". Die Idee kam von Josephine Beauharnais. Es gibt Vermutungen, dass der Bildhauer Harit zunächst traditionell darstellen wollte, wie es in der Mythologie vermutet wird. Thalia, Euphrosinia und Aglaya, die schönen Töchter des Zeus, begleiteten die Schönheitsgöttin Aphrodite.
Freude, Wohlstand und Schönheit wurden zu Symbolen der Gnade. Die zentrale Figur der Komposition wird von den beiden anderen umarmt. Die Einheit wird durch den Schal gestärkt, der sie vereint. Eine Art Altar ist eine Säulenstütze mit einem darauf gelegten Kranz.
Das Spiel von Licht und Schatten wird durch die sanften Rundungen der Korpusse und die ideale Verarbeitung von Marmor erreicht. Diese Technik wird in anderen Kreationen des Meisters verwendet. Harmonie und Raffinesse verkörpern die drei Charitas. Das Original der Skulptur wird in der Eremitage aufbewahrt.
Zum Modellieren verwendete der Bildhauer nur weißen Marmor. Mit Hilfe harmonischer Kompositionen wirkt die Unbeweglichkeit der Kreationen lebendig. Man hat den Eindruck, lebendig in Bewegung zu sein. Ein Merkmal der Begabung des Meisters war die maximale Politur des Materials. Alle Arbeiten erlangten eine besondere Brillanz, die auf Natürlichkeit aufmerksam macht.
„Die reuige Magdalena“
Genua ist die Heimat der herausragenden Arbeit von Canova. Es wurde im Zeitraum 1793-1796 erstellt. Dieses Werk war das erste, das 1808 auf der Pariser Ausstellung zu sehen war. Im Mittelpunkt der Komposition steht die Figur einer schönen Sünderin mit gebrochenem Körper, gesenktem Kopf und tränenerfüllten Augen. Sie kann den Blick nicht vom Kruzifix in ihren Händen lassen.
Das grobe Haarhemd wird von einer Kordel gestützt und die Haare sind über die Schultern verteilt. Die Figur ist von Trauer erfüllt. Kleidung und Körper - mit einem leichten Hauch von Gelbstich. Mit dieser Technik betont der Meister den Kontrast zwischen dem vom Sünder ausgestrahlten Charme und dem Wissen um sündige Tiefen. Nach dem Plan des Bildhauers erhebt nur die göttliche Vergebung einen Menschen.
Als das Land von Napoleon besetzt wurde, landeten viele Werke in Frankreich. Nach dem Untergang des Imperiums begann Canova mit ihrer Rückkehr. Die erfolgreiche Arbeit des Diplomaten ermöglichte die Rückgabe der illegal ausgeführten Werke nach Italien.
Der herausragende Bildhauer starb am 13. Oktober 1822.
